Während wir warten – das Videoprojekt zum Ballettabend

Warum warten wir? Interview mit der Choreografin Amelia Seth

Die Vorhänge im Gemeinschaftstheater Krefeld Mönchengladbach heben sich wieder – endlich. Am 19. September fand in Mönchengladbach die Premiere des neuen Ballettabends „Während wir warten“ statt. Ein gut gefüllter Zuschauerraum wartete gespannt auf fünf unterschiedliche  Inszenierungen zum Thema. Neben Robert North präsentierten vier Ensemble-Choreografen*Innen ihre Werke.

Eines davon war die Videoprojektion von Amelia Seth „Warum warten wir?“. Mit Ihrem Co-Autor Peter Allen und den vier TänzerInnen Victoria Hay, Jessica Gillo, Duncan Anderson und Radoslaw Rusiecki bannte sie ein 4,5 minütiges Werk an die große Leinwand des Theaters.

Über Instagram gibt es schon einmal einen kleinen Vorgeschmack.

Ich versuche immer die Gelegenheit zu ergreifen, um mit meinen talentierten Kollegen zu arbeiten!

Hier habe ich das ursprüngliche Konzept, das ich im Herbst 2020 gemacht habe. Ich denke, es spiegelt immer noch das Endprodukt wider…

IDEEN/INSPIRATION
Dies war eine Zeit des Wartens. Warten auf Neuigkeiten, Warten auf neue Vorschriften, Warten auf das Ende des Lockdowns, Warten darauf, von geliebten Menschen zu hören, Warten darauf, wieder zur Arbeit gehen zu können, Warten darauf, wieder ein normales Leben führen zu können, Warten darauf, dass all das vorbei ist…

Aber irgendwie muss man weiterleben. Wir passen uns langsam an, bauen neue Routinen auf, und was unmöglich wird, macht Platz für neue Möglichkeiten. Auch wenn es in diesen Zeiten schwieriger sein mag, können wir immer noch nach Dingen suchen, die uns das Gefühl geben, wirklich zu leben. Bis wir endlich wieder auf der Bühne stehen, hier vor Ihnen allen.

KONZEPT FÜR DIE DREHARBEITEN
Ich wollte mit jedem Tänzer einzeln an verschiedenen Orten drehen, wenn möglich im Freien. Die „Geschichte“ eines jeden Tänzers hatte einen klaren Anfang und ein klares Ende – beginnend auf einem Stuhl sitzend und wartend und endend auf der Bühne, allein, still und bereit für den Auftritt.

Zwischen diesen beiden klaren Vorstellungen sollte etwas Abstrakteres liegen, eine Collage aus Bildern. Ich wollte versuchen, durch choreografische und filmische Techniken ein Gefühl des Wartens und der Spannung beim Betrachter zu erzeugen.

Der Film endet auf der Bühne, um eine klare Verbindung zwischen dem Film und der Realität des Arbeitsplatzes, der Bühne herzustellen – er wird in einer Live-Theateraufführung gezeigt. Die Idee, dass wir neue Wege finden, um das zu tun, was wir lieben, um unsere Leidenschaft in schwierigen Zeiten aufrechtzuerhalten. Dass wir am Ende einer langen Zeit des Wartens hier oben stehen und bereit sind, aufzutreten, und dass das Publikum auch über sich selbst nachdenken kann, wenn es im Publikum sitzt und bereit ist, sich auf eine Art und Weise mit Live-Kunst zu beschäftigen, die es vielleicht während der Abriegelung verpasst hat.

Ich glaube, es war wirklich ein Spiegelbild der Zeit, in der wir lebten (und leben). Die Pandemie hatte Auswirkungen auf unser aller Leben, und so mussten wir „kreativ“ werden, um weiterhin Kunst zu schaffen. Sowohl das Thema als auch der Prozess wurden von dieser Idee geleitet. Ein Film, in dem es darum geht, dass man immer wieder Wege finden muss, um das zu tun, was man liebt, war für uns eigentlich eine Lösung, um während der Abriegelung weiterhin das zu tun, was wir lieben: choreografieren, kreieren, tanzen.

Wir haben kein Storyboard verwendet, aber wir wussten vage, welche Teile für den Anfang, die Mitte und das Ende vorgesehen waren, und natürlich wurde einiges zu einem bestimmten Teil der Musik choreografiert. Aber da wir zum ersten Mal gefilmt haben, wussten wir nicht, ob all die Einstellungen, die wir in unserer Fantasie geplant hatten, auch in der Realität möglich sein würden. Außerdem hatten wir nicht viel Zeit zum Filmen, so dass es keine Option war, stundenlang zu drehen, um die „perfekte Einstellung“ zu finden. Stattdessen haben wir eine Menge verschiedener Aufnahmen gemacht, so dass wir beim Zusammenschnitt ziemlich flexibel sein mussten und nur das beste Material verwenden konnten.

Während der ersten strengen Abriegelung war alles, was wir tun konnten, draußen in der Natur zu sein. Peter und ich erkundeten Teile von Mönchengladbach und der Umgebung, in denen wir noch nie zuvor gewesen waren. Das war das größte Abenteuer, das wir in diesen Monaten erleben konnten. Also wählten wir einige der Orte, die wir lieben, den Kaarster See, den Schmölderpark, die Brucknerallee und den Wald, in der Hoffnung, dass auch Einheimische eine Verbindung zu vertrauten Orten herstellen würden. Auch die natürliche Beleuchtung war ein wichtiger Punkt, denn wir hatten kein Budget für zusätzliche Lichtquellen, also nutzten wir das schöne natürliche Licht.

Hier kommt mein großartiger Mitschöpfer ins Spiel – Peter hat den eher technischen Teil geleitet. Wir hatten mit jedem Tänzer einen Drehtag, an dem wir 2-3 Stunden vor Ort waren. Aufgrund des Wetters hat sich der Prozess sehr in die Länge gezogen! Wir filmten mit Rado und Vicky an einigen wärmeren Tagen Anfang November und mussten dann die kälteren Monate abwarten, bis wir mit Duncan und Jess im März wieder draußen filmen konnten. Die Postproduktion ist wahrscheinlich unermesslich. Wir haben in den sechs Wochen zwischen dem Abschluss der Dreharbeiten und der Abgabe des endgültigen Schnitts vor den technischen Proben auf der Bühne im Mai 2020 viele Stunden damit verbracht, uns damit zu beschäftigen.

Ja, es soll eine Verbindung zur Live-Show herstellen. Das Video endet damit, dass jeder Tänzer auf die Bühne rennt, bereit zu tanzen, und Rado sich auf den ersten Sprung vorbereitet… als ob wir sagen würden „jetzt sind wir hier, wieder auf der Bühne und bereit, vor einem Live-Publikum aufzutreten“. Die eigentliche Aufführung selbst ist eine Art „Ende“ oder vielleicht eher ein Endziel, das wir als Künstler und Publikum gemeinsam erreichen.

Ja, natürlich! Ich würde mir wünschen, dass Choreografien von einer viel vielfältigeren Gruppe von Menschen stammen, nicht nur in Bezug auf das Geschlecht. Für mich ist Kunst ein Blick in die Gedankenwelt einer anderen Person, eine Reflexion ihrer Geschichte. Damit sich das Publikum mit diesen Geschichten identifizieren kann, müssen die Gefühle und Geanken überragen werden. Kunstschaffende müssen also vielfältig sein, um die wunderbar vielfältige Gesellschaft angemessen zu repräsentieren und Kunst für, mit und über sie zu schaffen.

Ich habe jeden Tänzer gebeten, ein altes Paar Ballettschuhe zu tragen, da sie beim Tanzen im Freien ruiniert werden würden. Hier ist das Endprodukt, ist es auch Kunst? 😉

Der Ballettabend „Während wir warten“ findet in Mönchengladbach noch einige Male statt. Hier finden Sie alle >> Termine

Musik bei Warum warten wir: My Body is a Cage von Peter Gabriel

Wird im Interview die männliche Form von Tänzer und Kollegen genutzt, so ist damit auch immer die weibliche Form gemeint. Das Ballett besteht aus 11 Tänzerinnen und 11 Tänzern – daher nutzen wir guten Gewissens die kürze Form und meinen beide Geschlechter.

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